Trabajo Nº1: Música como expresión

Capítulo 1

Hay una cierta quietud en el entorno que permanece poco tiempo hasta que todo empieza a moverse, hasta que todo cambia. En aquel momento uno desea salir y cuando se sale a buscar tan precipitadamente lo perdido, se vuelve uno sinónimo de la soledad, entorpecido y confiandole el camino a los pasos de su sombra. Busco abrir una puerta y encontrar del otro lado una respuesta para combatir los interrogantes que me agobian. Es un momento en el cual ya ni las lágrimas alcanzan y el dolor se propaga lentamente hasta llegar a ser incomprensible. No se siente... se pierde hasta la sensibilidad y el silencio interrumpe pensamientos y enmudece las pocas palabras que se resbalan en los labios.
Escribo para contar que una vez me sentí así, cuando mi voz enmudeció y mi mirada se clavó en el vacío de cada rincón. Sólo el cuerpo respondía con su movilidad, entonces me dispuse a caminar sin rumbo, quizá llegara a alguna parte desconocida o simplemente a lugares ya conocidos donde muchas veces encontraba la calma que necesitaba. Seguí mis pasos, confiaba ciegamente en ellos. En un momento me detuve, alcé mi mirada hacia aquel edificio que estaba frente a mis ojos y una leve sonrisa se asomó en mi rostro. Sin dudarlo entré, subí unas escaleras y me acerqué al mostrador a pedir la llave de un aula. Fue en ese momento, frente a aquella puerta, cuando sentí esa brisa de paz. Entré y cerré delicadamente la puerta, como si la modestia fuera un ingrediente necesario para completar la armonía de ese espacio, y me encontré de nuevo en soledad, sólo que esta vez al vacío lo había interrumpido la presencia de un bello piano de cola. Entonces me di cuenta que no estaba sola, que tenía a alguien con quien charlar.



Capítulo 2

Me acerqué a él sientiendo que compartíamos algo en común. Mis ojos a primera vista sólo percibiron la presencia de un instrumento como cualquiera: simple, mudo, solitario. Pero intenté no dejarme llevar por esos ojos que, en ese momento, encontraban todo tan insignificante... Me acerqué un poco más al piano y sentí como si él hubiera estado esperando mi llegada. Suavemente acaricié sus teclas y lentamente, con ese cuidado que debe tenerse con las cosas frágiles, lo fui despertando. Su sonido era más bien un susurro. Quise escucharlo un poco más, por ello me invitó a sentarme frente a él para que compartamos una charla que hace tiempo deseábamos. Tuve un momento agradable, quizá no tanto por el hecho de contarle cómo me sentía últimamente. Le conté mi historia, le hablé de mis sueños, deseos, esperanzas e ilusiones. Le conté cuán desepcionada estaba, compartí mis lágrimas junto a su melodía y encontré junto a él ese consuelo perdido. Él comprendió cada palabra, cada sentimiento. Estábamos sólo yo y aquel piano... aquel piano, respondiendo lo que yo nunca sabría decir con palabras.



Capítulo 3

Dejé de tocar por un momento hasta que cerré cuidadosamente la cubertura del piano, y toqué de nuevo, lento, arpegio por arpegio, acorde cada tanto y así fue dándose una melodía, aquella que quería lograr. De a poco me arrimé hasta dar mi oído con el borde de la cobertura ya cerrada, y pude oír aquellos sonidos atrapados ahí adentro. Sentí la vibración de aquellas cuerdas y cómo el sonido se animaba a compartir conmigo su melodía. Era algo tan precioso que no podría describirlo. Esos sonidos me envolvían y me hacían sentir verdaderamente consolada, escuchada y acompañada. Y una lágrima fue signo de devoción, fue la forma de agradecer por esa gran compañía. No quería irme, deseaba pasar más tiempo allí, sentía ese simple espacio mi gran refugio, una forma de escapar del mundo que estaba afuera. Me encontré reflejada en aquél piano, a través de él pude ver por mí misma aquella realidad que me negaba a reconocer y convencerme de que aún quedaba mucho por hacer en ella...



Capítulo 4

Agotadas las palabras y encontrada esa calma tan buscada, me despedí de aquél piano prometiéndole volver. Amagué al cerrar la puerta, como dudando si irme o no. Abajo entregué la llave y salí del edificio. Ya estando afuera el ruido del tránsito interrumpió mi serenidad y volví a conectarme con el mundo. Volví a casa pero esta vez mi mirada se concentraba en todo lo que había a mi al rededor, como si viera todo por primera vez. Mi ánimo ya no alterado, sí había encontrado la respuesta a su agonía en ese edificio, en aquella aula, en aquél espacio donde l a soledad había unido a dos en busca de compañia. Entendí que la Música ya no era la mismo que ayer, para mí, y pude sonreír por ello. Pero lo más importante es que pude comprender el verdadero significado de ese encuentro, que más allá del piano era un encuentro a solas conmigo misma.
He encontrado lo que me hacía falta en la música. A partir de ese día aquella relación cambió, porque el alma habló y yo pude escribir sus secretos. Descubrí melodías para todo momento de la vida, que me han acompañado, que me ha mostrado la realidad y ayudado a comprenderla. Entendiendo a la música, ella nos entenderá a nosotros. Llegué hasta la puerta de casa reviviendo en mi mente aquel momento en que el alma emprendió la hermosa tarea de transformar palabras en melodías, para luego ser contadas.

Trabajo Nº2: Música como arte

1ra Parte: Música como arte

La música es un arte. Y el arte es símbolo de la expresividad del hombre. Arte, es virtud, disposición y habilidad para hacer algo. Según una de las definiciones del diccionario el arte, es la manifestación de la actividad humana mediante la cual se expresa una visión personal y desinteresada que interpreta lo real o imaginado con recursos plásticos, lingüísticos o sonoros.

La música es el arte de combinar los sonidos. Ese arte proviene de nuestro ser, de nuestra disposición y virtud. Tal cual lo dice anteriormente el arte es el producto de la habilidad humana, es un sentir interpretado de diferentes formas pero siempre en este caso, con el recurso de la música, de los sonidos. La música se tranforma en sujeto a la hora de interpretarla, actuando como persona, la cual toma al arte en sus manos y podríamos decir que la transforma en puros sonidos. Esta reflexión la hago, porque algunos dieron esa opinión: la música actúa como alguien que dice esas palabras que uno quiere escuchar. En fin, la música representa más que un arte. Representa sentimientos, creatividad, expresión, alegría, tristeza, soledad, felicidad, hasta un pasado y un presente.

Para muchos y al mismo tiempo para pocos, la música es arte y solo eso. Producto de la creatividad humana y parte de un pasatiempo. Pero otros, que en viceversa pueden ser la mayoría o una minoría (lo destaco, porque es depende de como uno sienta la música), la música es arte y mucho más. Para ellos representa ese "todo" que muchos dicen, en su vida. Para algunos la música es la más bella y única compañía (así lo sienten), es más que arte y pasatieempo, es más que creatividad y expresión. Es sentimiento puro, expresividad máxima de nuestro mismo ser, es el arte perfecto que encaja en nuestra vida. Puedo afirmar, ambas cosas: música como arte y mucho más que eso.

2da Parte: Música y el uso de la técnica

La música es el arte de la expresión, a través de la combinación de los sonidos. Y para que haya una combinación debe haber una técnica por detrás para llegar a ese resultado. La música es compleja en cuanto a su aprendizaje pero no imposible. Todo aquel que haya estudiado música sabe de lo que hablo. No hay música sin reglas, no hay música sin técnica. Por otro lado, estoy a favor de la improvisación, es más, creo que es la base de un buen músico. Pero no porque exista la improvisación siempre hay que basarse en ella. La existencia de una técnica no tiene que ver con la calidad musical, en definitiva podemos escuchar música con una buena base en técnica o al contrario puede haber música que no, pero ambas pueden ser muy buenas. La música debe usar la técnica como complemento, como una importante herramienta para el producto final por decirlo así, y que en este caso sería la Música. ¿Música para aprender a usarla? Sí, pero la música va en mano de la técnica...y a lo que yo daría más énfasis es al uso de su técnica para poder aprender bien música. ¿Música para aprender a sentirla? También, pero la música en mano de la técnica llegan a un buen resultado...y el sentido de esa pregunta sería aprender sobre la música, y por ende se podrá sentirla.

Trabajo Nº3: Música de a dos

Colaboración de Boris Kogan.

Primera Parte
Nota: "Música de a dos" (archivo de la web de Radio Amadeus )

No existe la música sin el intérprete. Tampoco sin el compositor, dirá alguno, y no le faltará razón; pero nuestra propuesta contempla también aquellos casos en que, improvisación mediante, el compositor y el intérprete coinciden al mismo tiempo en una persona. En cambio, el compositor sin el intérprete no tiene ningún valor, pues la música no existe como tal fuera de la partitura, sino sólo en el preciso momento en que suena y es escuchada por alguien. Entonces aparece un tercer personaje en escena: el oyente.

Si el compositor necesita del intérprete para que convierta sus partitura en música, el intérprete que se sienta sólo con su instrumento a tocar música, constituye una unidad. El mismo puede ser quien haga realidad la música y quien la escuche, ejecutada por sus propios medios. Pero esto, que sin duda ya es música, no ha llegado todavía a convertirse en todo lo que la música merece y debe ser. No es todavía comunicación. Y eso es lo que tiene de especial la música realizada en conjunto, ya se trate de una gran orquesta, de un ensamble de cámara o de un simple dúo. Dos músicos tocando juntos no sólo están haciendo música, sino que además se están comunicando. Están poniendo la música en el lugar de lo que es común a ambos. O dicho en otras palabras, están accediendo a un estado de comunión a través de la música.

No hay música sin oyentes. Y sobre todo no existe comunicación en la música sin esa persona que presta sus oídos., su atención, su voluntad y su espíruto al mensaje que el compositor y el intérprete intentan hacerle llegar a través del discurso musical. El dúo, entonces, se convierte en una especie de símbolo, a través del cual pretende ponerse de manifiesto el hecho de que la música no es música si no existe a través de ella un diálogo. A veces este diálogo es formal y evidente, dos músicos que articulan sus respectivos discursos en función de una obra que es realizada en común. En otras ocaciones esta relación adopta otras matices, pero no por eso es menos sólida: el músico que toca y alguien que presta su atención. Es también un dúo, y es también una comunicación.

Segunda Parte:
Trabajo

La nota hace referencia a dos músicos en escena, y un músico solo con el público. Se apunta a un diálogo con el espectador, y también a un diálogo con la partitura (pero éste no se lo toma como dúo). El compositor puede ser intérprete a la vez y ambos en una misma persona están en escena frente a un público que entra como tercer protagonista y funciona como oyente. Una parte fundamental de la música, pero no totalmente necesaria, y ya veremos por qué. Hay comunicación si entran dos músicos en escena, cada uno con su instrumento, ya que se piden entre ellos música, "dialogan musicalmente" si se quiere decir. Con el público hay un diálogo diferente, pero de por sí hay comunicación. Existe otro tipo de comunicación, más allá de la relación intérprete-oyente y la que puede haber entre dos músicos, y es la del músico con la música. En el siguiente fragmento de la nota se niega esta comunicación:

(...) "Si el compositor necesita del intérprete para que convierta sus partitura en música, el intérprete que se sienta sólo con su instrumento a tocar música, constituye una unidad. El mismo puede ser quien haga realidad la música y quien la escuche, ejecutada por sus propios medios. Pero esto, que sin duda ya es música, no ha llegado todavía a convertirse en todo lo que la música merece y debe ser. No es todavía comunicación."

Este fragmento se refiere a que cuando uno toca solo no hay comunicación, sino que necesariamente hace falta un oyente en escena. Pero nuestro punto de vista es diferente: sí hay comunicación, y es del tipo intrapersonal. Es decir, con uno mismo. Cuando el músico toca, expresa. Se da en forma de pregunta y respuesta, el músico escucha lo que toca (es un oyente también) y lo disfruta al igual que el espectador (aunque lo disfruta más el músico, ya que sabe el por qué de cada nota). Según Chema Vilchez (guitarrista español), hay que aprender la música como un lenguaje y no tocar ninguna nota que no pueda reproducirse en la mente primero. Es como el lenguaje que usamos a diario, uno piensa en la cabeza la palabra "casa" , y luego se la escribe. Es algo momentáneo, se tiene un fraseo reproduciéndose en la cabeza, y tal cual está en la mente con su respectiva melodía, armonía, un sonido en particular y demás, se va a poder tocar y darlo a conocer. Ésta es la herramienta importante de la improvisación: hacer música en tiempo real. La cabeza del músico va más rápido que la del espectador, por eso es diferente la comunicación que se da con la música misma y el intérprete que con la que se da con el público. Ya que éste no sabe lo que viene después. El músico da instrucciones a seguir a la música, y el público no interviene en ellas. El que toca tiene todo ya previamente en su mente, sabe lo que sigue antes que el espectador. Entonces, hay comunicación entre el intérprete y la misma música, sin necesidad de que aparezca un oyente en escena.

También podemos decir, que hay comunicación con la música misma ya que cuando uno toca, desarrola un motivo ("frase musical"). Éste tiene una estructura e independencia, como las oraciones. Las palabras serían las notas. La oración sería la frase musical, el motivo. Y el desarrolo de ese motivo, sería un tema, una historia (en términos literarios) si se quiere decir así. Hay comunicación con la música mediante el motivo que uno toca, se responde a ese motivo (como pregunta - respuesta). Hay un diálogo con la música ya que ella nos dice qué tocar. De cada motivo sale otro, es una sucesión de motivos, una cadena. La música es una guía, según Gary Peacock (contrabajista). Uno toca lo que la música pide, lo que ella cree que es necesario. Thelonious Monk (pianista y compositor) decía que tocaba lo que era necesario para la música. Los músicos no tocan porque sí, sino que tocan lo que la música les pide y de acuerdo al músico se genera algo único. Por ejemplo, acordes abiertos para un final si se cree que es necesario, un solista tocando muchas notas tendiendo a tocar muy abierto, o si toca pocas notas cree que necesita una armonía, para equilibrar. Los músicos buscan el complemento, lo que es necesario para que la música sea algo único, original y placentera de escuchar.

Trabajo Nº 4: "Sobre gustos..."

Por: Boris Kogan

El discurso puede ser, a veces, un arma de doble filo. A menudo usamos determinadas frases impuestas por el vox pópuli, sin repararnos en las consecuencias que esto ocasiona. Particularmente, en este caso, me estoy refiriendo específicamente a una de las falacias más grandes que circulan alrededor de la esfera artística: “Todo es cuestión de gustos” o como bien dicen “Sobre gustos…”. ¿Podemos ser tan ingenuos de creer que todo radica en el gusto?

Suele ocurrir con frecuencia que, en lo mejor de un debate, alguien de los presentes sentencie todo con esa famosa frase, lo cual implica una cierta evitación a la confrontación de ideas, e implica que muchas cuestiones de gran relevancia se dejen de lado.

En primer lugar, el gusto es algo subjetivo, por lo cual no es un criterio válido para la evaluación de una obra artística, es decir, lo subjetivo no debe tapar lo real. Pongamos el siguiente ejemplo: Una persona le dice a otra: “No sé cómo podés escuchar esa música, no se entiende nada (refiriéndose a un disco de jazz), miranda es mucho mejor”. Perdonen la exageración del ejemplo, y el bajo grado de relevancia de la discusión, pero es necesario en vías de explicar la cuestión. Es evidente que ambos interlocutores no comparten los mismos conocimientos, por lo tanto el gusto es algo que se va formando a lo largo del desarrollo del ser humano, y está asociado a las propias experiencias y al entorno, lo cual no implica una esclavización, el hombre puede decidir por sí mismo. Por otro lado, ¿puede el concepto del gusto resolver esta discusión? La respuesta es “no”. La realidad es que miranda es un producto comercial propio del sistema actual, y ese oyente es el prototipo de persona al que los empresarios apuntan. Entra en juego ahora el tema del contexto. La esfera musical actual no es la misma que hace unos siglos atrás, al igual que todo el marco socio-político y económico, pero creo que su principio fundamental se mantuvo invariable en los verdaderos artistas a lo largo de toda la historia: “la música asociada a los sentimientos y sensaciones”, no como una mera estupidizadora de masas. Quiero que quede claro que no intento establecer un dogma, sino que hago referencia al mal uso de la frase mencionada en el primer párrafo. De más está decir que cada uno es libre de escuchar lo que más le guste y es respetable, pero así como respetamos el gusto, también debemos respetar la tradición que el arte viene acumulando a medida que el tiempo pasa, y a la hora de hacer un análisis, es necesario trazar una línea entre la subjetividad y la objetividad, y quedarnos del lado de esta última.

Trabajo Nº 5: Oír y escuchar

1.
Oír: percibir el sonido.
Escuchar: Oír con atención.

Ejemplos: Cuando se trata de oír, hablamos de escuchar un sonido o ruido en alguna parte. como por ejemplo el sonido de una moto o de un auto. En cambio, se trata cuando se trata de escuchar, damos ejemplos como escuchar la explicación de un maestro, lo que nos cuenta un amigo, a una banda de rock o un concierto de música clásica, entre otros. En todos estos casos el escuchar se refiere a oir con atención.

2.
En la música, cuando oímos lo hacemos para diferenciar los sonidos. Podríamos decir que la palabra "oír", es usada para referirse a los sonidos que producen ciertos instrumentos en una canción, por ejemplo. Es decir, podemos oír atentamente ese sonido que queremos identificar. Cuando utilizamos la palabra "escuchar", nos referimos a la melodía de una canción, es decir, a la unión sucesiva de los sonidos que producen los instrumentos en la misma canción. Decimos entonces, en este caso, que escuchamos la música y oímos lo que la compone.

Trabajo Nº6: La sonata

Aplicación

La "forma sonata", además de en las sonatas propiamente dichas, se encuentra también en diversos tipos de composiciones musicales, ya que tanto las Sinfonías como los cuartetos o los conciertos, etc., cuentan con partes escritas utilizando la típica forma sonata de exposición de dos temas en tonalidades vecinas, desarrollo de ambos, y reexposición de los dos temas en la tonalidad del primero.

Parte 1
Plan formal de la Sinfonía del Clasicismo.

· 1º MOVIMIENTO:

- INTRODUCCIÓN
(Optativa)

- ||: EXPOSICIÓN :|| [1er tema (tono principal)- puente (modulat.)- 2do tema (tono vecino)- epílogo ]

_____________Modo mayor----Dominante
_____________Modo menor----Relativa mayor

- DESARROLLO (libre elaboración del material temático)

__________Modulante

- REEXPOSICIÓN [ 1er tema -puente - 2do tema- puente (modulat.)- epílogo ]

__________Tonalidad principal

- CODA (optativa)

· 2º MOVIEMIENTO:

- En algunas de estas formas:

* ternaria (A-B-A) "Forma lied"
* lied desarrollado
* tema con variaciones
* forma sonata

· 3º MOVIMIENTO:

- MINUÉ O SHERZO (ternario compuesto)

A B (TRÍO) A ("da capo")
||: a :||: b a' :| |: c :||:d c' :| |a | b a' | CODA (optativo)

· 4º MOVIEMIENTO

- Generalmente RONDÓ (recurrencia)

A B A C

ESTRIBILLO o 1RA ESTROFA ESTREBILLO 2DA ESTROFA
"RITORNELLO" (en otro tono o tonalidad) (en otro modo o tonalidad)
(tema rondó)

A D A CODA

ESTRIBILLO 3RA ESTROFA ESTREBILLO (optativo)
(en otro tono o tonalidad)


NOTA:

* "da capo" significa sin repeticiones.
* las anotaciones ||: y :|| significan doble repetecion.
* las anotaciones |: y :| significan una sola repetición.


Parte 2
Claro de Luna (análisis de la Sonata piano nº14 de Ludwing Van Beethoven).

En la primera parte mostré cómo era en los principios del Clasicismo el plan formal de una sinfonía. Si bien para entender todo lo que expuse hay que saber qué es una sinfonía. Aca tienen una definición:

* Sinfonía (del griego, syn, 'juntos'; phone, 'sonido'), en música, composición orquestal que suele constar de cuatro secciones contrastantes llamadas movimientos y, en algunas ocasiones, tiempos. La denominación se aplicó por primera vez en el siglo XVI a los interludios instrumentales de formas como la cantata, la ópera y el oratorio. Un ejemplo notable es la 'Sinfonía pastoral' del oratorio El Mesías (1742) de Georg Friedrich Händel. La sinfonía en su sentido moderno surge a comienzos del siglo XVIII.

Como bien dice la definición del concepto, la sinfonía consta de ciertas partes llamadas movimientos. En la primera parte del proyecto se muestran los 4 moviemientos que tiene la sinfonía del clasicismo. Pero, es necesario aclarar que no siempre se cumple este plan, ya que el concepto de sinfonía solo es utilizado para varios instrumentos juntos, es decir, que es algo más completo. Una sonata para varios instrumentos es llamada sinfonía. Una sonata para un coro, es llamada cantata. La sonata de un solo intrumento o dos se la llama concierto.

Ya sabiendo esto, yo decidí tomar una pieza clásica conocida e importante del clasicismo como lo es Claro de Luna de su compositor detacado e este periíodo como lo es Ludwing Van Beethoven. El legendario músico compuso varias sonatas, y la mayoría en cuatro movimientos. Pero en sus últimos años Beethoven abandonó un poco la disposición propia de la sonata en favor a una cantidad de movimientos menor o mayor. Por eso a continuación les daré algo que podria llamar un "informe" sobre la analizada obra de Claro de Luna, y detallaré lo más claro posible qué es lo que me llamó la atención de esta sonata para piano.

Análisis:

* Es una obra para piano compuesta de 2 movimientos: Adagio sostenuto (más vivo que el Lento pero menos animado) el 1er movimiento. El segundo tiene una variación, al principio es un Allegretto (poco animado) semejandose a un Allegro (animado) que luego cambia a un Presto (rápido) variando un poco a un Prestissimo (rapidísimo).

* La forma del 1er movimiento la analicé de esta manera: Tiene un 1er tema, con un puente (la armonía, hacía una forma de "escalera de tonos" para pasar a un 2do tema), y luego el 2do tema que era una variación del primero. Se desarrola de esa manera durante el movimiento, siempre con un tema y un puente. No estpoy segura de poder afirmar que se da una forma lied (es decir un tema A seguido de un B y luego se repite desde el principio la secuencia). Pero al escuchar el movimiento se persive esa forma lied desarrollada. Termina con un epílogo (final en acordes fuertes). La duración de todo el 1er movimiento es de 5 minutos.

* La forma del 2do movimiento la analicé de la siguiente manera: Tiene una forma ternaria, la llamada forma lied. Tiene una parte A, seguida de una B, y vuelve al A y así sucesivamente solo que con algunas variaciones. Se desarrolla en forma Allegro o Allegretto y en forma lied desarrollada hasta los 7 min y 22 seg, donde cambia a una forma más rápida, en Presto a Prestissimo y en una forma lied desarrollada como la anterior. Hay más acordes acentuados, y se destaca las sguientes matices (grados de intencsidad que se les da a los sonidos) : Forte (f, fuerte), Fortissimo (ff, muy fuerte) y Forzando (fz, fuertemente acentuado...con violencia). Cambian las tonalidades, suben y bajan los tonos, hay una "escalera de sonidos" muy notable. El movimiento dura 9 min 17 seg.

*La sonata dura en total 14 min. 17 seg.